Resumen de las películas vistas durante este Festival de Sitges 2025.
New Group, de Yûta Shimotsu
“New Group” de Yûta Shimotsu es una de esas rarezas que solo un festival de cine puede ofrecer. Una comedia oscura que se mueve entre la incomodidad y el absurdo con una naturalidad desconcertante. Su premisa —tan simple como excéntrica— se convierte en un experimento sobre la necesidad de pertenecer, sobre cómo el deseo de encajar puede derivar en auténticas pesadillas sociales.
Es cierto que, en su desarrollo, la obra da la sensación de expandir un concepto propio de cortometraje más allá de su capacidad dramática. Sin embargo, esa condición no resta interés a una puesta en escena ingeniosa, con ideas locas y un ritmo de comedia negra. Lo grotesco se convierte aquí en vehículo de observación, y su atrevimiento formal acaba siendo su mayor virtud.
En resumen, una rareza única, muy personal y algo incómoda.
The Curse, de Ken’ichi Ugana
El tan nombrado”j-horror” tuvo su punto álgido durante la década de los 90 y principios de los 2000 gracias a títulos como “Ringu” (Hideo Nakata, 1998) o “La maldición” (Takashi Shimizu, 2002). Películas que, de tan populares terminarían siendo parodiadas en títulos como “Scary Movies” y sucesivos.
En las coordenadas de ambos tipos de películas se encontraría ésta “The Curse”. Otro intento de insuflar nueva vida a ese subgénero de terror, integrando ahora el humor como contrapunto de los elementos pretendidamente más terroríficos.
La problemática reside en combinar bien ambos registros tan opuestos. Una cuestión que, en este caso, no termina de funcionar del todo bien… Cuando todo está dicho y hecho, lo mejor de la propuesta es como introducen las redes sociales para propagar maldiciones que, en otros tiempos, sucedía mediante TVs y VHSs.
Hellcat, de Brock Bodell
Todos los géneros cinematográficos están plagados de lugares comunes, y muchas veces es complicado ser realmente original. Sin entrar en muchos detalles, “Hellcat” de Brock Bodell da una vuelta de tuerca a uno de los subgéneros del cine de terror casi tan viejo como el propio séptimo arte. El punto de partida es una mujer despertándose en una caravana en movimiento. De allí no puede escapar.
Con prácticamente un espacio y tan solo un puñado de intérpretes, la propuesta se esfuerza por mantener el interés a lo largo de su metraje. Es gracias a ciertos giros argumentales y la buena atmósfera conseguida que se consigue dar ritmo al conjunto… Aunque pese la sensación de ser otro caso de idea de cortometraje alargado.
Lo “peor” es el desenlace de la propuesta, que bien podría haber sido el inicio de una historia completamente nueva… Quizás una idea a desarrollar en un futuro para intentar insuflar vida nueva al tipo de historia aquí narrada.
It Ends, de Alex Ullom
La propuesta de “It Ends” es harto interesante: un grupo de adolescentes quedan atrapados en una carretera sin inicio ni final. Si paran el coche, aparece de la nada una horda de humanos con ganas de destrozarlo todo.
Con una estructura no tan diferente a “Exit 8” de Genki Kawamura, en este caso el director Alex Ullom no termina de encontrar el modo de justificar por qué la premisa merece un largometraje, en lugar de un corto. La narración se estanca rápidamente, y son solo algunos puntos de sentido del humor y algún diálogo acertado lo que la sustenta.
Dicho todo esto, se puede apreciar una crítica a las nuevas generaciones desprovistas de motivaciones, y una buena mano de Ullom a la hora de dirigir a sus actores.
Anecdótica, sin terminar de cundir del todo.
Exit 8, de Genki Kawamura
En pleno apogeo de las adaptaciones de videojuegos, Genki Kawamura adapta en “Exit 8” un videojuego creado para gafas VR. La premisa es muy minimalista: una persona queda atrapada en un bucle espacial dentro del pasillo de un metro.
Considerando que casi toda la acción tiene lugar en un único espacio, era fácil caer en el tedio o quedarse estancado. Sin embargo, Kawamura se las ingenia para dar ritmo y dinamismo al relato. Entre los conflictos personales del personaje principal -quien aguanta muy bien el peso de la historia-, el misterio que envuelve la situación, y la intriga sobre cómo salir del enredo, hay suficientes elementos como para mantener el interés. Además, el guión guarda alguna que otra sorpresa para dar nuevas energías a la historia,
Su propia premisa sirve de metáfora para el conflicto interno del personaje, siendo el eje central la responsabilidad de la paternidad.
Recomendable. Sobretodo teniendo en cuenta sus orígenes.
Her Will Be Done, de Julia Kowalski
El terror rural (o folk horror) ha estado bastante presente en el cine desde el estreno de “La bruja” (Robert Eggers) en 2015. Muchas de ellas han tenido en común la emancipación femenina y/o despertar sexual como motor narrativo de la propuesta. Si en el film de Eggers le tocaba el papel a una -por aquél entonces- desconocida Anya Taylor-Joy, en “Her Will Be Done” le toca a Maria Wróbel. Julia Kowalski traza así la historia de una campesina de un pequeño pueblo, en sus esfuerzos por ser escuchada en un entorno masculino.
La historia se desarrolla a fuego lento, presentando sus elementos con paciencia para conducir el relato hacia las decisiones que toma el personaje interpretado por Wróbel. Aunque la cineasta hace un buen trabajo con la descripción del personaje principal, es posible que caiga en lo maniqueo cuando se trata de retratar el resto de personajes… Factores que pueden jugar en contra de las intenciones del conjunto.
Por lo demás, la película destaca por su buen apartado visual.
Every Heavy Thing, de Mickey Reece
“Every Heavy Thing” propone un descenso hacia la paranoia en este thriller con toques de ciencia ficción dirigido por Mickey Reece. En ella, la vida de Joe (Josh Fadem) se ve trastocada tras presenciar un asesinato.
Reece apuesta por una imagen y sonido que remite directamente al cine de los 70/80 para crear una atmósfera que, de paranoica, termina siendo pesadillesca. Sobre todo para el personaje de Fadem, cuya existencia termina convirtiéndose en un infierno. A destacar ese acierto de casting, pues el actor da al personaje un toque entre el patetismo y lo trágico muy acertado.
Aunque peca de cierto esteticismo y unos cambios de formato quizás algo gratuitos, la película gana en virtudes gracias a lo comentado, su buen ritmo, un guión atinado y su carácter decididamente especial.
V/H/S/Halloween, de VVAA
Las antologías de relatos de terror no suelen faltar en Sitges. Especialmente las más festivaleras, como “V/H/S/Halloween”. Esta nueva entrega en la franquicia se salva por el buen hacer del fragmento de Paco Plaza y el humor negro (no del todo desatado) de “Fun Size”.
Por lo demás, no deja de ser otra muestra de que el éxito del found footage se debe tanto al mayor sentido de realidad y proximidad del formato, como a los pocos recursos necesarios para desarrollar una premisa en este medio. Con todo lo bueno o, en este caso, malo que ello conlleva.
Demasiado tren de la bruja y corre que te pillo donde el sentido de la urgencia y la decoración halloweenense no son elementos suficientes para hacer trascender sus relatos. Salvo los antes mencionados.
Arco, de Ugo Bienvenu
«Arco«, de Ugo Bienvenu, es otra muestra del excelente momento que vive el cine de animación francés, tanto en lo técnico como en lo narrativo. La película combina ciencia ficción y fantasía en una historia de iniciación y crecimiento personal (coming of age) que, si bien puede parecer sencilla en su argumento, brilla gracias a su imaginación visual y su sensibilidad emocional. Bienvenu demuestra un dominio del color, la composición y el ritmo que convierte cada secuencia en una experiencia estética hipnótica.
La trama, centrada en la búsqueda de identidad y en el descubrimiento del propio lugar en un mundo extraño, se apoya en personajes entrañables y en un tono tierno, divertido y lleno de corazón, sin caer en el sentimentalismo. Puede que su guion no alcance la profundidad de otras obras del género, pero su poesía visual y su calidez humana la hacen una propuesta plenamente recomendable, especialmente para quienes disfrutan de la animación como forma de arte más allá del entretenimiento.
Tornado, de John Maclean
Diez años después de “Slow West”, John Maclean vuelve a la dirección con “Tornado”, repitiendo contexto de western pero cambiando ubicación e ingredientes: Inglaterra y con elementos del cine de samuráis.
La premisa en tono de thriller es una huida hacia delante de un padre e hija, familia de samurais, en medio de la nada ante la llegada de un grupo de forajidos que les persigue.
A pesar de la premisa y fascinante mezcla de géneros, la película pierde fuerza a medida que avanza, quedándose algo estancada cuando ya se han presentado todas las bazas de la historia.
Tiene un arranque interesante y un clímax fabulístico, poético y elegante. Todo ello se ve magnificado por un estupendo trabajo de localización y, sobre todo, por una soberbia dirección de fotografía de Robbie Ryan. En este aspecto, la película es un auténtico caramelo.
Por lo demás, “Tornado” no deja de ser una propuesta anecdótica. Una historia más en clave de western con la intención de trasladar al espectador a una época remota, carne de leyendas, folklore e historias que pudieron haber sucedido.
Primate, de Johannes Roberts
Johannes Roberts sigue su camino de postularse como uno de los nombres más importantes del terror de serie B contemporáneo. La gran virtud de muchas de sus películas es centrar la narrativa en los elementos propiamente de terror y/o suspense en un metraje ajustado, para no perder interés en ningún momento. Ésta “Primate” no es excepción.
La premisa es simple: un grupo de adolescentes se ven asediados por un mono infectado con rabia en la mansión donde vive uno de los protagonistas. Con esto, tras unos minutos presentando personajes y contexto, la narrativa hilvana distintas situaciones que ponen a prueba el sentido de supervivencia del grupo.
Roberts dirige la cinta con pulso, buen gusto visual, buena atmósfera y un tono apropiado entre el mal rollo y leves pinceladas de sentido del humor. Además, la propuesta hace gala de un gran uso de efectos prácticos para la recreación del simio titular.
The Furious, de Kenji Tanigaki
Sigue la moda de cine de artes marciales ultraviolentos provenientes de países asiáticos. “The Furious”, de Kenji Tanigaki reúne a Joe Taslim y a Yaya Ruhian (vistos juntos en “Redada asesina”), y los juntan con otros dos especialistas: Brian Le y Mo Tse, quien toma el protagonismo de la historia.
Considerando el tipo de talento involucrado, lo más importante de la película son sus escenas de acción. En este aspecto la película cumple de sobras, consiguiendo en su clímax final un duelo completamente memorable.
Dicho todo esto, todo ello se ve un poco lastrado por una puesta en escena que no logra capturar del todo bien las proezas del grupo de actores. Una mezcla de malos tiros de cámara y movimientos innecesarios provocan que en algunas ocasiones la acción sea algo confusa. ¿Y la historia? Una simple excusa para dar rienda suelta a toda la acción.
Muy recomendable para amantes de este tipo de películas.
Dead Lover, de Grace Glowicki
Mejor o peor, “Dead Lover” transmite por encima de todo una energía y ganas de hacer arrolladoras. Grace Glowicki dirige, coescribe y protagoniza esta propuesta que parece beber tanto del universo de Tim Burton como de la teatralidad y expresividad del cine mudo de los primeros años del celuloide.
Es excesiva por concepto y su premisa se quema rápidamente. Pero Glowicki desarrolla su extravagante narrativa de tal modo que uno se puede dejar llevar por todo, pese a tener un metraje seguramente alargado.
Todo ello envuelto en un apartado técnico y unos efectos prácticos minimalistas y bien apañados, teniendo en cuenta la aparente falta de presupuesto.
En resumen, una propuesta muy particular. Sin miedo a llevar sus premisas al extremo, y con más bien poco interés en complacer al público. Que esto sea bueno o malo ya dependerá de cada uno…
Transcending Dimensions, de Toshiaki Toyoda
Si la el caleidoscopio es el leit motiv visual de “Transcending Dimensions”, lo mismo aplica a su narrativa. A medio camino entre lo fantástico y lo lisérgico, el director Toshiaki Toyoda nos invita a este viaje bizarro donde nada nunca es lo que parece y lo onírico se mezcla con lo real.
La gran virtud de Toyoda quizás no es su virtuosismo detrás de la cámara como su control sobre los tonos: comedia, lo transcendental, lo grotesco e incluso algún toque del mejor King Hu. Todo ello encarrilado hacia una historia… ¿De venganza? ¿De superación personal?
En todo caso una propuesta no apta para todos, pero no por ello menos interesante.
Recomendable.